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Kinostart: 30. Mai 2013

Terrence Malick weicht auch mit TO THE WONDER, der sechsten Regiearbeit des US-Regisseur, nicht von seinem eigenen Kurs ab und zelebriert abermals die großen Gefühle, Bilder und Geschichten, was bereits sein Regiedebüt BADLANDS von 1973 zu einem Klassiker der »New Hollywood«-Periode gemacht hatte und auch seinem 2011er-Film THE TREE OF LIFE die Goldene Palme von Cannes bescherte. Das Problem bei Malick jedoch, welches er spätestens bei letzterem Film deutlich offengelegt hat, ist, dass er nichts sonderlich Interessantes zu erzählen hat.
Das Story-Setting von TO THE WONDER, ausgehend von welchem Malick sein (im weitesten Sinne) Beziehungsdrama erzählt, ist das folgende: Ein Pariser Ehepaar fängt samt ihrer Tochter ein neues Leben in Oklahoma, wo das junge Glück bald erste Risse bekommt, etwa wenn Ehemann Neil (gespielt von Ben Affleck) eine Frau (Rachel McAdams), vermutlich eine alte Jugendliebe, wiedertrifft. Das die Komplikationen im Eheleben der beiden, grade nach einem so großen Schritt, umso verheerender sind, liegt auf der Hand.
Malick zielt – das war bereits das Problem bei THE TREE OF LIFE – auch in seinem aktuellen Film vor allem darauf ab, die Zuschauerin und den Zuschauer in fast jeder Einstellung mit einer Bildgewalt zu überwältigen, von deren Überangebot diese(r) allzu schnell übermüdet sein dürfte. Ein emotionaler Zugang zum Gezeigten fällt mit der Zeit immer schwerer; einerseits, da Malicks Bilder in einer Weise überstilisiert sind, dass sie eher an Sekt-Werbespots als an irgendetwas, das mit Schönheit zu tun hat, erinnern und zum anderen, da Malick selten genug einer Einstellung die nötige Zeit einräumt, um deren Wirkung sich entfalten zu lassen.
Der Film bereitet beim Schauen auch in diversen anderen Hinsichten Bauchschmerzen, anstatt den Zuschauer emotional mitzunehmen. Mal passiert dies auf eher harmlose und teilweise sogar komische Weise: Zum Beispiel in Betracht der schauspielerischen Leistung Ben Afflecks, welcher es in TO THE WONDER schafft, seinen latent traurigen, weitestgehend aber an Biometrie-Passfotos erinnernden Gesichtsausdruck über beinahe die gesamte Länge des Films konsequent durchzuhalten, sodass sein Charakter Neil so wirkt als würde er die Spielereien und Streitereien, die seine Frau Marina (gespielt von Bond-Girl Olga Kurylenko) ständig mit ihm treibt, lediglich über sich ergehen lassen, sodass man als Zuschauer beinahe erschrickt, wenn Neil doch an gewissen Stellen eigenaktive Handlungen, wie Lachen oder Sprechen. Andererseits bereitet der Film, aber auch wirklich ernsthaft Probleme, wenn man etwa das durch den Film vermittelte Frauenbild betrachtet. Olga Kurylenkos Charakter wirkt in ihren Liebesspielerein meist kindlich-verspielt, zwischendurch an einigen Stellen auch aufbegehrend und nach Beherrschung strebend, letztlich dann aber doch wieder unterwürfig. Der konservative, patriarchalische Blick auf die Frau, welcher der Film an einigen Stellen vermittelt, wird augenscheinlich etwa wenn Marina in einer Szene ihrem Ehemann nach einem Streit zu Füßen fällt und – scheinbar nach Wiedergutmachung suchend – selbige küsst; oder auch wenn sie später im Film nach dem Fehlgehen ihrer Ehe ihr Seelenheil in der Kirche sucht.
Überhaupt enthält der Film mehrere Andeutungen, dass die Charaktere sich in Richtungen entwickeln und welche der Handlung potentiell eine spannende Wendung geben könnten. Jedoch verfehlen diese ihre Wirkung, was zuvorderst darauf zurückzuführen ist, dass Malicks Charaktere uninteressant sind und es entsprechend minimal aufregend ist ihre Entwicklung zu verfolgen. Dabei ist einzuräumen, dass dies auch der Tatsache geschuldet sein mag, dass der Autor dieser Rezension nur etwa ein Viertel des gesprochenen Textes im Film verstehen konnte, da TO THE WONDER neben dem Englischen auch französische und italienische sowie Dialoge in tiefem Südstaaten-Genuschel enthält (wobei der Trailer zum Film verrät, dass TO THE WONDER hierzulande in deutscher Synchronfassung in den Kinos zu sehen sein wird). Jedoch, auch wenn man den Großteil der Dialoge nicht versteht, entsteht an keiner Stelle im Film der Eindruck, dass einem dabei etwas Interessantes entgeht – vielleicht auch deswegen, weil Terrence Malick mittlerweile Filme für eine kleinere Zielgruppe macht, nämlich christliche Ehepaare. Dementsprechend lautet die subjektive Bewertung eines schwer gelangweilten Zuschauers, der nicht dazu gehört:
1/5

Filmstart: 26. April 2012

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Kinostart: 22. März 2012

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Verlegte Handys, Anrufe, die an die falschen Leute gehen, eine Figur, die sich an ihren Erfinder wendet und ein Star, der für seinen Doppelgänger gehalten wird. Was ein wenig nach ermüdendem Spiel mit Meta-Ebenen und dem Kommunikationswirrwarr der Postmoderne klingt, ist nichts Geringeres als die Verfilmung des Romanes „Ruhm“ von Daniel Kehlmann (dessen Buch „Die Vermessung der Welt“ wochenlang an prominenter Stelle in den Buchhandlungen auslag). Mal mehr, mal weniger subtil komponiert Kehlmann in dieser Geschichte die Porträts von sechs Menschen, die etwas suchen, ohne zu wissen, was genau. Joachim Ebling (Justus von Dohnányi) gibt beinahe sein geordnetes Dasein wegen der Anrufe für einen anderen auf. Ralf Tanner (Heino Ferch) verschwindet immer mehr hinter dem Bild, das andere von ihm haben, bis er sich als sein eigener Doppelgänger ausgibt und plötzlich nicht einmal mehr sein Butler ihn erkennt. Die pensionierte Grundschullehrerin Rosalie (Senta Berger) hingegen möchte nur noch in Würde sterben – sie hat Bauchspeicheldrüsenkrebs – aber vorher ihrem Schöpfer Leo Richter (Stefan Kurt) noch einmal die Meinung sagen. Leo hingegen hat ganz andere Sorgen: seine Freundin Elisabeth (Julia Koschitz), Ärztin ohne Grenzen, will ihm nichts mehr über ihren Berufsalltag erzählen, und dass, wo er ihre Geschichten doch so gut verarbeiten kann. Elisabeth versucht verzweifelt, das Leben zweier entführter Kollegen zu retten, während ihr Leos Gejammer über die Lesereise immer belangloser vorkommt. In Askisistan kommt es inzwischen, wie es kommen muss: Maria Rubinstein (Gabriela Maria Schmiede) wird von ihrer Gruppe abgeschnitten und irrt allein und bar jeglicher Sprachkenntnis durch den Ostblock, während ihr Mann sich daheim anderweitig vergnügt. Er arbeitet bei einem großen Mobilfunkunternehmen, das in letzter Zeit Probleme mit der Nummernvergabe hat…

Die Stärke des Films liegt darin, jeden Strang mit einem ganz eigenen Stil auszustatten, obwohl alle miteinander vernetzt sind: Maria Rubinsteins Reise nach Askisistan ist eine Reminiszenz an die trostlosesten Orte des Ostblockes und jeder, der des Russischen nicht mächtig ist, aber dort schon einmal mit des Englischen nicht Mächtigen zu tun hatte, zuckt vor lauter Wiedererkennung zusammen, wenn der Policja-Mann, den sie nicht versteht, einfach anfängt, zu brüllen. Die südamerikanische Lesereise findet im Dunstkreis vom Deutscher Botschaft, Goethe-Institut und kulturschaffenden „Expats“ statt, und ein Schelm, wer denkt, Daniel Kehlmann habe da nicht auch aus eigenen Erfahrungen geschöpft. Leo Richter hingegen ist kein Alter Ego Kehlmanns, denn im Gegensatz zu dem völlig in seiner Umgebung verhafteten Mann, der sich mitten in einer Beziehungskrise hinsetzen und über ein Paar in der Beziehungskrise schreiben kann, erfindet Kehlmann nach eigener Aussage viel zu gern selbst. Ruhm, so meint er außerdem, sei nur erträglich, wenn man ihn, wie Misserfolg, mit Gleichmut behandeln würde. Gleichmut allerdings hat dieser Film nicht verdient.

3,5/5

Kinostart: 15. März 2012

Ein Werk am Hafen von Marseille. Zwanzig Männer werden ausgelost und müssen gehen, damit das Werk mit verschlankter Personalstruktur überleben kann. Gewerkschafter Michel (Jean-Pierre Darroussin) nimmt das so mit, dass er auf seinen sicheren Posten verzichtet und sich gleich mit selbst auslost. Das bewahrt ihn nicht davor, später ausgeraubt zu werden, aber vorher erfahren wir, wie er mit seinem Frührenter-Dasein zurecht kommt. Michel guckt traurig. Man ist mit den Kindern, die schon längst aus dem Haus sind und ihrerseits Kinder haben, am Strand, später beim Grillen auf der Dachterasse. Micheles Frau Marie-Claire (Ariane Ascaride) ist eine aktive, lebenslustige Person und hat auch dann gute Laune, wenn sie zu alten Leuten Putzen geht. Meistens sitzen aber alle unter französischer Sonne, in Marseille ist offenbar nie trübes Wetter, und auch sonst scheint das Leben des Vorruheständlers eine Aneinanderreihung von Enkelbeaufsichtigung, Essenmachen, Heimwerken und Weintrinken am Vormittag zu sein, alles im goldenen Sonnenlicht. Michel guckt trotzdem traurig, er fühlt sich bourgeois, mit seiner Frührente und dem ewigen Weintrinken auf dem Dach, schon am Vormittag, während alle anderen arbeiten gehen. Als Gipfel der Bourgeoisie bekommen Marie-Claire und er zum Hochzeitstag eine Reise nach Afrika, zum Kilimandscharo, geschenkt – das einzige Mal, dass besagter Berg und dessen schneebedeckte Kuppe eine Rolle spielen, ist denn auch im Lied „Le Neiges du Kilimandjaro“, für Michel und Marie-Claire „unser Lied“. Doch das von Verwandten und Freunden hart ersparte Geld wird ihnen bei einem brutalen Überfall geraubt, inklusive eines Comicheftes. Über eben dieses Heft findet Michel dann einen der Räuber (Grégoire Leprince-Ringuet), der einige Zeit zuvor auf besagtem Werk von ihm ausgelost worden war. Der Räuber ist nicht einfach nur ein Räuber, sondern ein Opfer der sozialen Verhältnisse, er muss sich um zwei wesentlich jüngere Brüder kümmern, was er nun nicht mehr kann, da er auf Michels Anzeige hin ins Gefängnis muss, und das Sozialdrama nimmt seinen Lauf.  

Es bedient die klassische Palette üblicherweise mit „links“ etikettierter Themen – Gewerkschaften in Zeiten von Consulting-Firmen, Solidarität, die Verstrickung des Einzelnen zwischen Recht, Unrecht und der Sorge um die Seinen. In Zeiten der Finanzkrise hochaktuell, mag man sagen, aber nicht, wenn die Geschichte so vorhersehbar ist wie hier und am Ende deutlich ins Unrealistische abdriftet, inklusive kurzer Schuldzuweisung: „Diese Globalisierung!“ Das Anreißen bestimmter Themen und Schablonen bleibt jedoch zu oberflächlich, die inneren Konflikte der Hauptfiguren, allen voran die Michels, bisweilen schwer nachvollziehbar (wie die ihn quälende Frage, ob er „bourgeois“ geworden sei – was nützen derartige Etiketten, die auf die Frage, ob man sich wohl fühlt und das Richtige zu tun meint, keine Antwort geben?), wohingegen die äußeren Konflikte so oder so ähnlich nun wirklich jeder schon einmal gesehen hat (wie den Christophes, des Räubers, der seine kleinen Brüder durchbringen muss). Andererseits sei nicht verschwiegen, dass der Film den europäischen LUX-Filmpreis 2011 erhielt, wer dem Ansatz Guediguians also aufgeschlossen gegenübersteht, sollte sich unbedingt noch eine zweite Meinung einholen. Alle anderen sind besser beraten, ihr Geld statt in die Kinokarte in einen guten, südfranzösischen Rotwein zu investieren. Aus einer Winzergenossenschaft.

1/5

Kinostart: 1. März 2012

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Ist sie das wirklich? Oder haben Sie einfach eine alte Frau genommen und vor die Kamera gesetzt? Wann wird wohl Meryl Streep auftauchen und uns "The Iron Lady" geben, Maggie Thatcher, meistgehasste und gleichzeitig bewunderte Premierministerin Großbritanniens, die in den 1980er Jahren das ganze Land umgekrempelt hat? Sie und – äh – Ronald Reagan waren die Symbolfiguren des aggressiven Neoliberalismus, der Aufrüstund und Kriegstreiberei, ohne deren Projektionsfläche wohl musikalische Jugendbewegungen wie Postpunk und Hardcore anders ausgesehen, vielleicht nie entstanden wären, weil es nie einen solchen Frust und Zorn gegeben hätte. Nun scheinen Biopics grade en Vogue zu sein und sie widmen sich auch anderen düsteren Figuren der westlichen Zeitgeschichte, siehe J. EDGAR, in dem Leo Di Caprio den ambivalenten FBI-Chef Hoover gibt, dessen Weltanschauung und Methoden ebenso umstritten wie modern waren. Auch da musste man zweimal hingucken, um Leo unter der Maske zu erkennen und auch mir wird klar, dass das ja schon Mrs. Streep ist, die als 85jährige Milch in einem Cornershop kauft, ohne erkannt zu werden. Dennoch sorgt ihr kleiner Ausflug für hellen Aufruhr bei ihrem Sicherheitspersonal, welches die Abwesenheit der Lady erst spät bemerkt hat. Abgeschirmt in einer Londoner stadtvilla dämmert Maggie durch die Tage, versteht die Welt nicht mehr und unterhält sich mit ihrem – längst verstorbenen – Ehemann Denis (Jim Broadbent HOT FUZZ).

Wir erleben einen ganz normalen Tag im Leben der ehemaligen Staatsführerin, dessen trister und protokollhafter Ablauf immer wieder unterbrochen wird von Erinnerungen der Eisernen Lady an ihre Jugend, ihre Ehe und ihren politischen Werdegang. Als Tochter eines Krämers in der englischen Provinz erlebt sie den deutschen Bombenhagel und findet, ebenso wie die anderen Einwohner der kleinstadt Trost und Aufmunterung in den Ansprachen ihres Vaters, der auch Bürgermeister ist. Hier also soll sich ihr Charkater und ihre Weltanschauung gebildet haben, die im Wesentlichen aus "lass dich nicht unterkriegen" und "sei deines eigenen Glückes Schmied" besteht. Anfang der 1950er schließlich geht sie in die Politik und wird erste weibliche Abgeordnete des britischen Unterhauses, von den alten Herren spöttisch belächelt, aber mit unbedingtem Durchsetzungswillen und letztendlich auch Erfolg. Der Erfolg ist es auch schließlich, der sie Denis und ihren beiden Kindern entfremdet. Der Mann steht hinter seiner Frau, doch immer öfter behagt ihm die ihm zugewiesene Rolle nicht, sieht er seine Liebste doch fast nur noch im Fernsehen, wo sie von wütenden Gewerkschaftern und Jugendlichen beschimpft wird. Es folgt die chronologische Erzählung ihres Aufstieges, der 1979 in der Wahl zur Premierministerin gipfelt. Ihre Anti-Gewerkschaftspolitik, der Umbau des gesundheitssystems und nicht zuletzt der Falklandkrieg, in dem mehrere hundert Soldaten für das von der argentinischen Junta besetzte Eiland sterben, spalten die britische Gesellschaft in jubelnde  Befürworter und scharfe Kritiker. Der Film versucht sich in differenzierter Betrachtung, was naturgemäß nicht immer funktioniert, zu verkürzt muss er in der Darstellung bleiben.

Dass es am Ende aufgeht, man mit Maggie mitfiebert und mitleidet, wenn sie nach zehn Jahren an der Spitze von ihren Rivalen bei den Tories um John Major abgedrängt wird und fortan aus dem Blickfeld er Öffentlichkeit verschwindet, liegt an Meryl Streep, die dafür verdientermaßen zum 100.000sten Mal für den Oscar nominiert wurde. Allein ihre Sprache, von der kieksenden Provinzlerin zur ersten Frau im Staate, ist umwerfend. Die gebürtige Amerikanerin hat ein Inselidiom, wie es wohl selbst ein Eingeborener nicht authentischer spricht. Regisseruin Phyllidia Lloyd hat nach dem reichlich anders gelagerten MAMMA MIA wieder auf die Streep gesetzt und damit alles richtig gemacht. Ein wenig mehr Mut zur Haltung hätte den Film perfekt gemacht, aber dennoch ist er unbedingt sehenswert.

4/5

deutscher Kinostart am 23.2.2012

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YOUNG ADULT ist der neue Film von Regisseur Jason Reitman, der mit THANK YOU FOR SNMOKING (2005) und JUNO (2007) zwei Überraschungserfolge des charmanten Independentkinos für sich verbuchen konnte. Umso größer waren die Erwartungen, da sich Reitman für sein neues Werk wie schon für JUNO mit Drehbuchautorin Diablo Cody (UNITED STATES OF TARA) zusammengetan hatte. Cody und Reitman scheinen also ein Dreamteam für böse, sarkastische, aber auch kritische Komödien zu sein. Für YOUNG ADULT konnte das Team leider nicht zur Höchstform auflaufen.

YOUNG ADULT eröffnet mit einer sehr ansehnlichen und eindringlichen Szene. Wir sehen ein hohes Apartmentgebäude an einer Ausfallstraße, das Apartment gleicht einem Scherbenhaufen, eine Messiewohnung. Inmitten des Chaos ein kleiner Hund und die im Schlabberpyjama mit ordentlich Augenringen versehene Mavis Gary (Charlize Theron, MONSTER), die erst einmal einen großen Schluck Cola light gegen den Hangover in sich hineinschüttet. Man möchte lachen, findet aber gleichzeitig, dass dieses Leben der attraktiven mittelalten Blondine nicht wirklich steht. Marvis Gary ist Jugendbuchautorin, bzw. Ghostwriterin einer im auslaufen bestehenden Groschenromanreihe. Sie ist frisch geschieden und sie hat eine Einladung zur Babyparty  von ihrem Ex-Freund aus High-School-Tagen bekommen. Gary macht sich also im Causal-Look auf, den Bourbon gepflasterten Weg aufs  Lande und in ihre Vergangenheit zu bestreiten. Wir erfahren, dass Marvis eine Art super beliebte High-School-Prom-Queen war, die Minderheiten und andere „Freaks“ verlacht und verängstigt hat. Die typische superbeliebte Schülerin mit den superbeliebten Quarterback. Nun steht sie allein da, besessen von dem Wunsch ihre verheiratete High-School-Liebe Buddy Slade (Patrick Wilson) zurück zugewinnen.

Der Film bedient den klassische Reigen einer jungen Frau: Stadt vs. Land, Familie vs. professionelle Karriere, also Entscheidungskrisen. Allerdings gelingt es YOUNG ADULT die Zuschauererwartungen ständig zu unterlaufen und mit einigen guten und bösartig witzigen Szenen die Hauptfigur recht unsympathisch zu zeichnen. Charlize Theron brilliert in jeder Szene und man kann sich nicht sattsehen an diesem dauerbesoffenen, blonden und zynisch gewordenen Schlacks, die ihren Hund in eine Tasche verstaut und ins Hotel schmuggeln möchte, obwohl dort Tiere erlaubt sind oder Mitleidssex mit Freunden hat.

So trifft sie in einer Bar auch auf einen alten Schulkameraden. Matt Freehauf (Patton Oswald) spielt den gebrochenen aber dennoch einfühlsamen Zuhörer. Er hat den gleichen schwarzen Humor wie Marvis, die sich natürlich nicht an den Loser erinnern kann. Zu High-School-Zeiten wurde Matt nämlich zum Krüppel geschlagen und ist seither behindert, weil er fälschlicherweise für schwul gehalten wurde. Solche und ähnlich derbe Einschübe gibt es in YOUNG ADULT ständig. Deswegen bleibt dem Zuschauer das Lachen oftmals im Halse stecken. Das Hauptproblem ist aber, dass der Film erst als lockere Komödie mit bissigen Zoten daherkommt, dann Marvis eine nachvollziehbare Wandlung durchmacht, die am Ende natürlich nicht eingelöst wird. Die Erwartungen untergraben schien das Hauptcredo der Macher zu sein. Dazu hätte es aber an vielen Stellen durchaus auch etwas derber und böser zugehen können. YOUNG AULT ist jedoch ein sehenswerter Film mit wahnsinnig gutem Cast geworden, der Klischees aufbricht und gleichzeitig bedient, sodass ihm etwas der letzte Pfiff und Durchhaltevermögen am Ende abhandenkommt.

4/5

deutscher Kinostart am 3.2.2012

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Es gibt nicht viele Film-Franchises, die von starken, weiblichen Charakteren getragen werden. Neben Sigourney Weaver in der ALIEN-Reihe und Milla Jovovich in RESIDENT EVIL-Serie ist Kate Beckinsale in den UNDERWORLD-Filmen eine der wenigen Frauen, die in den letzten Jahren eine Filmreihe zum Erfolg führen durfte. Wie auch schon in den vorhergehenden zwei Teilen überzeugt UNDERWORLD: AWAKENING eher visuell als inhaltlich und wird eben besonders von Kate Beckinsales Präsenz getragen. Um deren Figur, die Vampir-Kriegerin Selene, ist der Kosmos der Vampir-gegen-Werwolf-Saga gestrickt, die mit UNDERWORLD: AWAKENING 15 Jahre nach UNDERWORLD: EVOLUTION ansetzt.
Nachdem Selene und der Werwolf-Vampir-Hybrid Michael im zweiten Teil noch gegen die Übermacht der Werwölfe gekämpft haben, werden sie nun von den Menschen bedroht. Diese haben die Existenz der Vampire und Werwölfe entdeckt und machen nun Jagd auf diese. Dabei wird Selene gefangen genommen und erwacht nach 12 Jahren aus einem Koma. Sie muss nicht nur feststellen, dass Vampire und Werwölfe fast ausgestorben sind, sondern auch, dass sie eine jugendliche Tochter hat. Diese wurde von dem Pharmakonzern Antigen, der Selene in Gefangenschaft hielt, gezüchtet und Tests unterzogen, um ein Gegenmittel gegen die Werwolf- und Vampir-„Seuche“ zu entwickeln. Als es den beiden gelingt, aus dem Labor zu fliehen, schließt sich ihnen einer der letzten überlebenden Vampire an, um gegen die Menschen und für ihr Überleben zu kämpfen.
Da der Fokus auf den Machenschaften des Biotech-Konzerns liegt, fällt der halbwegs interessante mythologische Überbau der ersten Filme nun vollends weg und hinterlässt so 88 Minuten weitgehend inhaltlicher Uninspiriertheit. Wirklich spannend ist die Story nicht, zumal sie den interessanten Ausgangspunkt, nämlich das ewige Kämpfen der Menschen gegen ihnen Unbekanntes und ihr gleichzeitiger Machtdrang, nur als Mittel zum Zweck nutzt. Dieser ist wie in den Filmen zuvor Action und man muss den Regisseuren zugutehalten, dass sie zumindest davon was verstehen. Denn „Underworld: Awakening“ strotzt nur so von perfekt choreografierten, mitunter sehr brutalen Action-Szenen in einer kühlen, düsteren ästhetischen Optik. Was den Film zudem sehenswert macht, ist die Dreidimensionalität, die nicht nur nachträglich aufgelegt wurde, sondern durch das Drehen mit 3D-Kameras den Zuschauer in die sonst platte Story hineinzieht. Ohne Kate Beckinsale als übercoole Vampir-Kriegerin, die für das Überleben ihrer Rasse kämpft – und nebenbei das Genre endlich wieder wegholt vom weichgespülten Vampir-Kitsch á la „Twilight“ – bestünde UNDERWORLD: AWAKENING letztlich nur aus teurer Action. Bleibt zu hoffen, dass wenigstens Kate Beckinsale dem UNDERWORLD-Franchise erhalten bleibt.

3/5 Punkten